El amor es el demonio

“No hay belleza sin herida” (Francis Bacon)

Más allá de su pintura, el debutante John Maybury trata de desentrañar, entre lo biográfico y lo ficticio, la compleja, tortuosa, incomprendida y fascinante personalidad de Francis Bacon, uno de los más controvertidos artistas del siglo XX. El punto de partida es la conturbada relación homosexual que mantuvo con George Dyer, de amor y odio, sumisión e indiferencia, traición y necesidad. A través de flash-backspresenciamos fragmentos, expresivos y expresionistas, de la cuenta atrás de estos dos seres humanos y sensibles. Aunque suene extraño, “humanos y sensibles” incluye su actitud in extremis ante el sexo y el placer, su afán autodestructivo, su mirada distorsionada (o terriblemente certera) de la realidad, su humor socarrón y provocativo (Todos estamos encerrados en nuestras cárceles particulares... y nunca ves la sangre ¡hasta que te rajan la garganta!), sus contradicciones y actitudes maníaco-depresivas, y su (aparente) deleite ante el sufrimiento y el dolor. Pues sólo uno sabe qué oculta la mirada, qué infierno esconden las entrañas, qué sentimientos llevan a una vorágine infernal, a un trampolín hacia el abismo, a una temerosa y oscura espiral... ¿Miedo al fracaso? ¿Al paso del tiempo? ¿A la soledad? ¿A la muerte? ¿A la vida...?

La película se sustenta, en gran parte, en la versatilidad de Derek Jacobi, cuya mirada vacila entre el vacío existencial, la continencia del sentimiento, la náusea al exterior, y la continua tortura interior. Al situar esta lucha vital –unida a la decadencia de su relación- en el momento cumbre de su reconocimiento artístico mundial (año 1971, retrospectiva en el Grand Palais de París), da lugar a paradójicos pensamientos y a un centenar de preguntas sin respuesta sobre la condición humana. Por ello, Maybury se inclina por una narración sesgada, en que la meditación y lo sensiblero son rehuidos al instante. Muchas veces no hay correlación directa con la siguiente imagen. Otras, los fundidos a negro dan paso a imágenes impactantes y efectistas (cuerpos ensangrentados, pesadillas, fotomatones, alucinaciones...). La elección de los planos, con el desasosegante punteo de Ryuichi Sakamoto de fondo, violenta aún más la narración (ora videocliperos, ora completamente fijos; de lo general se va al detalle más íntimo). Es un filme cuya construcción busca igualarse a las pinceladas de Bacon: tomar la figura y desfigurarla. Lo visceral y lo neurálgico se fusiona con lo bello; y asimismo, la obra contiene la marca de la vida. Es como el hombre cuya carne lleva la cicatriz de un accidente. Y supongo que la psique también tiene sus cicatrices. Los desoladores y fríos decorados, los múltiples espejos -cuyo reflejo resulta grotesco, escindido y/o multiplicado; vanidoso, narcisista y/o fantasmal-, la metafórica presencia del W.C., la fascinación ante el cine mudo y las antiguas fotografías (especialmente, porque se comulga con los muertos), todo se ciñe a crear un conjunto de sensaciones que redunda, de un modo discutible y polémico, en la “nada” (bien entendida) y en el horror que nutren la obra baconiana.

Iván Barredo

D.  Jarman realizó una tentativa de acción y de vida del pintor italiano Caravaggio; controvertida esta obra de bazal, tomando al otro pintor  famoso (Francis Bacon), J. Maybury, desde una figura o look modernista y audaz, nos revela parte de la vida del pintor.

Para ello, basado en la misma pintura goteante, el relato que la película lleva adelante nos dejará una estructura narrativa confusa y deformada. Como una obra del  pintor.
Pero, al parecer, la intención del director no es contar sólo lo que ha sucedido sobre esa parte de la vida, sino lograr el acercamiento, con cordialidad o, incluso, con respecto a Bacon (aportando su arte).

¿Una cara demacrada preciosa pero valiosa en este "cocktail"?